jueves, mayo 29, 2014

EL NUEVO PROGRESIVO DEL FUTURO. THE BEN CAMERON PROJECT: TIPPING POINT


THE BEN CAMERON PROJECT: TIPPING POINT

Género: rock progresivo
País: Australia
Fecha de publicación: 15 de mayo de 2014

Temas:
  1. Part 1 21:02
  2. Part 2 17:49
Músicos:
Ben Cameron: voz, guitarras, bajo, teclados
Chris Cameron: batería, percusión

The Ben Cameron Project provienen de Melbourne, Australia, y nos presentan su álbum debut, un trabajo independiente de rock progresivo clásico, conceptual y lleno de matices, en el que desgranan, sabiamente, todo su potencial musical en un recordatorio sónico que procede directamente de la dorada década del siglo pasado: los setenta.
Con una producción inteligentemente dirigida hacia un sonido retro, el dúo desarrolla un concepto en el que se exploran las luchas con la ansiedad, la depresión y el trastorno bipolar de un hombre. Bajo esta excusa narrativa, desvelada en unas poéticas y bien construidas letras, el proyecto de los australianos bucea en las profundidades del sonido clásico del rock progresivo y sinfónico, no exento de ciertos pasajes cercanos al hard melódico, en los que el sabor profundo y cálido nos hace asistir a un recorrido lleno de cambios de ritmo, grandes arreglos y un sentido melódico único, sobre el que The Ben Cameron Project construye uno de los trabajos de mayor proyección de la actual escena progresiva independiente.
Largos recorridos instrumentales, llenos de fluidos colchones de teclados que sirven de guía en el transcurso del concepto, elegantes guitarras eléctricas alargando sus notas hasta el infinito y una base rítmica técnica, solvente y muy creativa, acompañan, en estas dos extensas composiciones, a una voz melancólicamente cuidada y tratada, que, en conjunto, recrea ambientes oscuros, de casi una telúrica filosofía musical, pero en desarrollos netamente fluidos con ambientes oníricos y vitales.
En resumen, una música grandiosa, cercana y emotiva, elegante, llena de sentimiento en cada segundo de su ejecución y escucha, sinfónica y progresiva, que rinde homenaje a un sonido clásico, dentro del género, que en muchos momentos de la actualidad se echa totalmente de menos. Un ejercicio ab-so-lu-ta-men-te delicado y glorioso, con un resultado espectacular en la ejecución y que surge de un proyecto creativo previo muy sólido y creado con mimo y plena dedicación.
The Ben Cameron Project tienen aún mucho que decir en la escena progresiva actual y el camino que han iniciado con esta gran obra depara un futuro más que prometedor, visto el resultado de Tipping Point, que, seguro, los encumbrará, aunque sea de modo independiente, a las alturas de un género que adoran, cuidan y protegen.
Exquisito y recomendado al cien por cien. Clásico del futuro.

miércoles, mayo 28, 2014

STEVEN WILSON ANUNCIA QUE ESTÁ TRABAJANDO EN UN NUEVO ÁLBUM



Como agradecimiento a los 200.000 seguidores en su página oficial en Facebook, Steven Wilson, además de agradecer el interés de sus seguidores, en una breve nota de prensa añade lo siguiente:
“[…] En los últimos meses he estado trabajando duro en mi próximo álbum y continuaré haciéndolo hasta finales de año para publicarlo a principios de 2015 (pero ya iremos informando antes de que suceda). No quiero decir mucho sobre el trabajo por el momento, sólo que es otro proyecto en el que la música, la historia y la parte visual funcionan conjuntamente, y que estamos intentando rebasar el listón. Pretencioso y orgulloso.” 

martes, mayo 27, 2014

HUMANA PROG: LAS CENIZAS DE MAXOPHONE



38 años después de la publicación del único álbum de los italianos (1975), en el que se incluía el tema “Al mancato compleanno di una farfalia” (“En el cumpleaños perdido de una mariposa”), la ‘mariposa’, según anuncia la nueva formación, está de vuelta con una suite de veinte minutos a cargo de la banda Humana Prog, que edita el álbum Fiori Fruti Farfalle, un CD completamente compuesto, arreglado y cantado por Paolo Farina, el poeta y músico que escribió las letras del viejo álbum de Maxophone.
Este nuevo proyecto tuvo su origen en el descubrimiento de una antigua cinta de audio, grabada en 1973, junto a algunos músicos y amigos, en la que había una demo de 16 minutos, que fue desechada en su momento y que se recupera en la actualidad.
Para la grabación de esta suite de veinte minutos, “Fiori Fruti Farfalle”, ha habido una colaboración de numerosos músicos de Milán y Apulia, incluyendo la participación especial de Sergio Lattuada, teclista y compositor de los nuevos y viejos Maxophone. La segunda parte del disco está formada por seis temas inéditos escritos por el propio Farina, entre 1972 y 1973, que se regrabaron durante el verano de 2013 en la ciudad de Apulia. La última pista del CD, “La ballata degli amici perduti”, incluye la interpretación de un quinteto de cuerda.
Musicalmente, estamos ante un álbum de prog pastoral, ensoñador, elegante y que enlaza directamente con la tradición italiana de la década de los setenta, recordando los sonidos de grupos como Celeste, Locanda delle Fate, Pierrot Lunaire o Claudio Rocchi.

Temas:
1. Fiori frutti farfalle
2. Bianco, rosso, verde
3. Cerca in te
4. Mamma pubblicità
5. Nel prato più verde
6. Ti chiedo scusa
7. La ballata degli amici perduti

NUEVO TRABAJO DE NEAL MORSE PARA AGOSTO



Aunque las noticias sobre el nuevo trabajo del artista son mínimas, ha trascendido que Neal Morse publicará un nuevo trabajo para el verano, a través de Radiant Records, bajo el título de Songs from November.
Según informa nuestra página hermana, Portal Esquizofrenia, el álbum fue compuesto en su mayoría, tal y como informa el título, el pasado mes de noviembre. Morse grabó 21 demos, de las que ha seleccionado 11 para la edición, e incluye algunas composiciones hechas en su adolescencia.
La banda que le acompaña en esta nueva producción está formada por los habituales Chris Carmichael, violín, viola y violonchelo, Jim Hoke, saxofón, además de las McCrary Sister en los coros, que también colaborarán en el próximo de Flying Colors.
La fecha de lanzamiento está prevista para el 18 de agosto.

Temas:
1. Heaven Smiled
2. Whatever Days
3. Flowers In A Vase
4. Love Shot An Arrow
5. Song For The Free
6. Tell Me Annabelle
7. My Time Of Dying
8. When Things Slow Down
9. Daddy’s Daughter
10. Wear The Chains
11. The Way Of Love

FABIO ZUFFANTI DEJA LA MASCHERA DI CERA



En un correo electrónico enviado a la prensa especializada, la banda italiana confirma que su principal compositor y fundador, Fabio Zuffanti, abandona la formación: “Después de cinco álbumes, doce años de carrera y varios conciertos por todo el mundo, el bajista y compositor Fabio Zuffanti ha decidido dejar la banda progresiva La Maschera di Cera, fundada en 2002. El principal motivo de esta decisión reside en la voluntad de Zuffanti en concentrarse en su carrera en solitario y en otros proyectos (Hostsonaten, Aries, etc.). Fabio quiere agradecer a Alessandro Corvaglia, Agostino Macor, Mauricio di Tollo y Andrea Monetti todos estos maravillosos años de música y les desea a todos lo mejor para el futuro de la banda.”
El último álbum de La Maschera di Cera con Zuffanti fue Le Porte del Domani, publicado en 2013.

MARILLION PUBLICARÁN EL ÁLBUM EN DIRECTO A SUNDAY NIGHT ABOVE THE RAIN


Según se informa en la web de Prog Sphere, Marillion editarán el directo A Sunday Night above the Rain, que se publicará en doble CD, doble DVD y Blue-Ray, el próximo 30 de junio a través de earMUSIC.
Grabado el 10 de marzo de 2013, en el Center Parcs de Port Zelanda, Holanda, durante el Marillion Weekend, que se celebra bianualmente, la banda toca todos los temas de su más reciente publicación, Sounds that Can’t Be Made, y una selección de sus favoritos, desde “This strange engine” hasta “Garden party”.

Temas:
CD1/DVD1:
1. Gaza
2. Waiting To Happen
3. Lucky Man
4. This Strange Engine
5. Pour My Love
6. Neverland
7. Invisible Ink
CD2/DVD2:
1. Montréal
2. Power
3. Sounds That Can’t Be Made
4. The King Of Sunset Town
5. The Sky Above The Rain
6. Garden Party
Blu-ray
1. Gaza
2. Waiting To Happen
3. Lucky Man
4. This Strange Engine
5. Pour My Love
6. Neverland
7. Invisible Ink
8. Montréal
9. Power
10. Sounds That Can’t Be Made
11. The King Of Sunset Town
12. The Sky Above The Rain
13. Garden Party

THE HUMAN EQUATION THEATER EXPERIENCE



En septiembre de 2015 tendrá lugar la versión teatral que Yvette Boertje está montando sobre el concepto, respetando fielmente su argumento, del trabajo The Human Equation (2004, InsideOut) de Ayreon, con tres representaciones en Holanda, posiblemente en Dordrecht, aunque esto último está aún por determinar, ya que todavía se está en el proceso de selección de cantantes.
Algunos de ellos ya han sido contratados para este acontecimiento exclusivo y algunos de los papeles ya han sido repartidos. De este modo, la producción contará con James LaBrie (Dream Theater) en el papel de Me, Marcela Bovio (Stream of Passion) como Wife, Jermain van der Bogt (Wudstik) como Best Friend, Irene Jansen como Passion, Magnus Ekwall como Pride, Heather Findlay (Heather Findlay Band) como Love, Devon Graves (Psychotic Waltz) como Agony, quedando todavía vacantes los papeles para Fear, Reason, Rage-Father y las veinte personas que conformarán el Epic Rock Choir (cuyas pruebas comienzan en junio de este año).
La banda, supervisada por el director musical Joost van den Broen, estará formada por Ed Warby (11th Tour, Hail of Bullets), batería, Johan van Stratum (Stream of Passion), bajo, Marel Coenen, guitarra, Freek Gielen, guitarra, Eric van Itlersum, teclados, Ruben Wijga (Revamp), teclados, Jeroen Goznes, flauta e instrumentos de viento, Ben Mathot, violín, y Maaike Meterse (Kingfisher Sky), violonchelo.
En otro orden de cosas, aunque el trabajo es original de Arjen Anthony Lucassen, éste no participará ni como cantante ni como instrumentista, aunque sí que ayudará en la producción como consejero musical. Además, se está estudiando la posibilidad de grabarlo para un edición en DVD, aunque este último término tampoco está confirmado.

CELEBR8 LLEGA A SU FIN



De acuerdo con Prog Magazine, los organizadores del festival confirman que seguirán distintos caminos una vez que se celebre esta última edición. De este modo, el festival Celebr8.3, que tendrá lugar a finales de este mes, y que está protagonizado en esta edición por grupos como The Tangent, Frost* o Twelfth Night, entre otros, será el último que se celebre, por lo menos bajo esta denominación. Sus promotores, Jon ‘Twang Patrick y Geoff Banks, han decidido ir cada uno por su lado después de esta tercera edición, que se celebrará entre los días 31 de mayo y 1 de junio.
Patrick, encargado también de las series de conciertos bajo la denominación de House of Progression, ha dicho lo siguiente: “Durante los dos últimos años, la dinámica ha cambiado radicalmente. Hubo un tiempo en el que había muy pocos conciertos en directo. Hoy en día hay toneladas. Me he dado cuenta que todo esto ha dividido a la audiencia. Todo se reduce a que la gente no se puede permitir el lujo de verlo todo. Poner en marcha un evento como Celebr8 es algo extraordinariamente lento y conlleva enormes gastos. Para poder hacerlo, se necesita dedicación completa. La cuestión es que hay demasiada saturación de grupos y el número de asistentes sigue siendo el mismo. Es bastante obvio que la gente adora a sus bandas individuales, lo cual no hace que haya una escena propiamente dicha.”
No obstante, Patrick volverá en 2015 con otro acontecimiento musical de dos días, pero no bajo la marca Celebr8, y el formato, además, será distinto: “Consistirá, básicamente, en tres grandes grupos que tocarán durante el transcurso de dos noches. La experiencia y la cantidad de audiencia, me ha demostrado que se hace más con menos.”
Además de agradecer a su colega Banks y a todos los implicados en la realización de este enorme trabajo en los años anteriores, Patrick continúa diciendo que: “Por favor, apoyad el Celebr8.3. No sólo es un festival de gestión independiente, sino que va a ser, definitivamente, el último de esta clase.”

Celebr8.3 (31 mayo-1 junio), Islington Assembly Hall, Londres, Reino Unido
Sábado:
The Tangent
Anatema (acústico)
Karmakanic
Thumpermonkey
Twelfth Night
John Mitchell y Kin Seviour (acústico)
Domingo:
Frost*
The Fierce & the Dead
Cosmograf
Sanguine Hum
Galahad
Andy Tillison y Matt Stevens (acústico)

lunes, mayo 26, 2014

ENTREVISTA A THE PSYCHEDELIC ENSEMBLE



El año pasado, The PsychedelicEnsemble, el proyecto en solitario de un músico norteamericano, publicó The Tale of the Golden King, uno de los álbumes más interesantes, no ya de 2013, sino de toda la trayectoria del rock progresivo en general. Avalado por sus anteriores trabajos, dentro de la misma tónica y sin altibajos que hicieran padecer el resultado final, el álbum consiguió críticas muy favorables por parte de los medios y por parte de los seguidores del género y estuvo en boca de cualquier sitio que se preciara de honesto y profesional con la música independiente, tantas veces denostada. Sin ir más lejos, alcanzó el puesto quinto en la lista de las mejores producciones independientes de esta página, también independiente, Descubre la Caja de Pandora.
Ahora, y con un nuevo trabajo en camino, os presento a uno de los músicos más emocionantes, inteligentes y sinceros del panorama actual de un género en estado puro gracias al amor, el cariño, el cuidado y la habilidad de The Psychedelic Ensemble, un enmascarado artista genial y decididamente solvente que se esmera, como pocos, en mostrarnos su obra. Y con ella la perduración del género progresivo. Este es The Psychedelic Ensemble, el músico y su obra. Sobran más presentaciones.

Antes de entrar en materia, cuéntame cómo fueron tus orígenes.

Soy compositor y multiinstrumentista. He trabajado en la industria musical desde los setenta tanto como compositor, como arreglista y como músico propiamente dicho.  Además compongo tanto música clásica como progresiva.
Empecé muy joven tocando la batería, luego la guitarra y después el piano. Cuando todavía era un adolescente me involucré en la música progresiva. Toqué en un par de buenas bandas y me convertí, por así decirlo, en un mercenario a sueldo. Para dejar las cosas claras, en verdad no tengo ningún arma [risas].

¿Cuál es tu método de composición? ¿Eres un músico dedicado exclusivamente a la música o es sólo un hobby?

Siempre he utilizado ese método ya pasado de moda de componer con papel y lápiz. Pero para estos discos de TPE, toco y canto absolutamente todo, a excepción de las partes vocales en las que contribuye Ann Caren, algunas contribuciones al violín a cargo de un violinista clásico de reconocido nombre, y la orquesta completa de The Tale of the Goleen King. Puesto que lo toco todo, no hay ninguna necesidad de componer todo al detalle. Me imagino lo que quiero tocar y lo grabo.
En cuanto a la segunda parte de tu pregunta, tengo que decirte que he tenido la fortuna de vivir del negocio musical toda mi vida con una dedicación plena. Así que la música es mi único oficio. Sin embargo, he hecho muchas clases de trabajo dentro de la música, como te he dicho antes. He compuesto, arreglado y producido álbumes, por ejemplo. Es algo de lo que también me siento muy afortunado. He tenido muchas oportunidades diferentes y muchas experiencias dentro de la música. Y así es hasta la fecha.

Por cierto, y hablando de todo un poco, ¿por qué escondes tu identidad bajo un pseudónimo?

Me han preguntado esto mismo muchísimas veces. Es una buena pregunta. Pero la respuesta es muy sencilla: con los años me he ido cansando del bombo publicitario y de la imagen que rodea a la música. Pensé, cuando saqué el primer álbum, The Art of Madness, que me identificaría sencillamente como The Psychedelic Ensemble. Los oyentes perciben sólo la música, no la imagen. O te gusta la música o no. Mi imagen, nombre y todo lo demás, no tiene nada que ver con la música de The Psychedelic Ensemble.

Cuando se visita tu página web puedes descubrir que hay una grandísima cantidad de reseñas que provienen de distintas revistas progresivas y de distintos sitios relacionados con el rock progresivo. Aún así, siempre he pensado que tu dedicación está más dirigida hacia una distribución independiente y privada de tus discos. ¿Es cierta mi apreciación? En todo caso, ¿qué opinas de los sellos discográficos de gran alcance, de las grandes compañías de la industria musical?

No he tenido más que problemas con los sellos discográficos y con los editores de música durante toda mi carrera. Por Dios, si tengo editores que poseen los derechos de muchísima parte de mi música y no puedo recuperarlos. ¡Es horrible! En la actualidad, trabajo con un editor de California que, por suerte, ha aceptado mis condiciones.
Los últimos tres álbumes los he publicado bajo mi propio sello. Supone más trabajo, pero todo cobra mayor sentido en muchos aspectos. En primer lugar, puedo controlar todos y cada uno de los aspectos del CD: desde los gráficos, hasta la distribución y su promoción. Por supuesto que he tenido que contratar ayudantes que me ayudaran  con la promoción, la venta y la distribución de los álbumes, pero es más, ¿cómo te lo diría?, es más reconfortante todo este tema de la autoedición.

¿Cuáles son tus músicos progresivos, o no tan progresivos, favoritos de toda la vida?

Creo que te vas a sorprender. Es verdad que me gustan los grandes grupos progresivos de los setenta, pero también me gusta otro amplio abanico musical. Me encanta la fusión. Fui muy activo en ese género durante los setenta y los ochenta. Return to Forever, Larry Coryell, Mahavishnu, Zappa –bandas así-, todavía me interesan profundamente. Pero también me gusta la vieja música de rock: Traffic, Santana, Zeppelín, Steppenwolf, The Who y unos cuantos más.

Volviendo al tema de la música, creo que la tuya está consagrada a aquel sonido de los setenta, pero ¿es algo deliberado o intentas mantener esa esencia en tus grabaciones con la ayuda de la tecnología actual?

Creo que uno no puede eludir las raíces musicales de sí mismo. Y como te acabo de mencionar, la música que realmente me transmite algo es la música de antes. Es la música que adoro y con la que he vivido toda mi vida. Así que, tanto si es vieja como nueva, mi música es honesta. Escribo lo que quiero escuchar. Pero existe muchísima otra música que la de mis viejas raíces. Hay influencias de la clásica contemporánea y de las tendencias progresivas actuales también.

Muy interesante, y ¿cuál es tu equipo con el que compones y tocas?

Pues mira. Tengo mi propio estudio, que se basa en Pro Tools. Podría hacerte un inventario de todo mi equipamiento, pero baste decir que tengo toneladas de equipo.
Tengo un montón de guitarras, pero uso principalmente una Gretch como mi eléctrica principal. También utilizo una Fender Stratocaster en distintos momentos. También me gustan las acústicas Alvarez y utilizo dos, una de seis y otra de doce cuerdas, como acústicas principales en mis composiciones. La de seis cuerdas es una edición especial limitada muy bonita y que suena como una orquesta.

Hablando de teclados, no puedo seguir sin hacerte la pregunta inevitable: ¿digital o analógico?

Oh, analógico, sin duda ninguna. El sonido es más cálido. Tengo un viejo ARP 2600 y un Moog de los de antes. Me encantan, pero intenta mantenerlos afinados…  [risas] Tengo un montón de teclados digitales como instrumentos principales. Son los que utilizo en los álbumes de The Psychedelic Ensemble.

Todo esto de la música está bien, pero ¿cómo es tu vida en un día normal?

Cuando estoy con los álbumes de The Psychedelic Ensemble, trabajo unas diez horas todos los días, ya que compongo, toco y grabo toda la música yo mismo. Tengo que invertir todo ese tiempo porque si no los álbumes se harían eternos. Cuando no trabajo en los álbumes de TPE estoy involucrado en aspectos de composición con otros músicos. Además, en la actualidad, estoy enseñando tecnología de grabación en la universidad de la ciudad donde vivo.

¿Qué opines de la escena progresiva actual?

Amigo, hay bandas increíbles en la actualidad. No tengo mucho tiempo para escuchar la gran cantidad de música que hay, pero estoy al tanto del nuevo progresivo. Cada vez, los músicos son mejores.

Estoy de acuerdo que hay muchas bandas, unas buenas y otras no tanto, en la actualidad, pero ¿crees que el rock progresivo es un género en alza o, por el contrario, es una etiqueta de la que abusan bandas, por ejemplo psicodélicas o de post-rock o hard, para llamar la atención sobre el oyente?

La verdad es que escucho alguna de la música actual que está etiquetada como progresiva y pienso: “Bueno, vaya, me suena más a música pop.” Pero por otro lado, toda esa música parece estar respaldada por la audiencia progresiva. No obstante, pienso que el progresivo se ha desarrollado espléndidamente desde los setenta. Y existen tantos géneros progresivos distintos que hacen que todo sea mucho más interesante.

Pasando a temas de actualidad más tuyos, me has comentado en alguna otra conversación que vas a publicar un nuevo trabajo de TPE. ¿Qué más nos puedes contar? Me refiero a que en qué fase exactamente estás con la nueva grabación.

Bueno, ya sabes que en octubre de 2013 publiqué The Tale of the Golden King. Luego me tomé un pequeño descanso y comencé a trabajar en diciembre en un nuevo álbum. Del mismo modo que en los anteriores álbumes de TPE, este nuevo es conceptual.
Estoy a mitad y espero publicarlo en septiembre de este año. Todavía estoy componiendo y grabando, pero también estoy con la mezcla de los temas que ya tengo completados. Así es mi método de trabajo. Compongo y grabo y lo mezclo a la vez. Dicho de otro modo: no escribo el álbum completo, luego lo grabo y después lo mezclo. Trabajo el proceso simultáneamente. Cuando el álbum está completo es entonces cuando lo masterizo.

¿Conoces la escena progresiva española?

Por supuesto, conozco gran cantidad de grupos progresivos españoles y me encanta su música.

Ya, pero ¿cuál es tu opinión sobre ellos?

No sé si es una apreciación certera, pero me parece que muchas de las bandas progresivas españolas con las que estoy más familiarizado están influidas por la fusión. Me encanta la fusión, por lo tanto, me encanta esta música. He escuchado muchísimos músicos increíbles en activo de la escena progresiva española.

Bueno, amigo, esto es todo por el momento. Espero que todo vaya muy bien y que tengas mucha suerte con tu nuevo CD, pero, por favor, añade lo que quieras para mis lectores.

En primer lugar, querría agradecerte, Jose, tu interés en mi música. También la maravillosa reseña que hiciste de The Tale of the Golden King y la oportunidad que me brindas con esta entrevista de presentarme a tus lectores. También quiero dar las gracias a todos los que desde España han respaldado a The Psychedelic Ensemble. Sé que la última publicación ha recibido mucha atención desde España y por ello estoy agradecido. ¡Muchas, muchas gracias! [sic, en español]

(Entrevista realizada el 24 de mayo de 2014)


jueves, mayo 22, 2014

RICK WAKEMAN ACTUARÁ EN TENERIFE, JUNTO A BRIAN MAY, EN SEPTIEMBRE



El 26 de septiembre, Rick Wakeman actuará en Tenerife como parte del Starmus Festival 2014. Se le unirá el astrofísico y legendario Brian May, guitarrista de Queen.
Esta actuación única forma parte del citado festival y para aquellos interesados en recibir más información, tan sólo tienen que dirigirse a la siguiente dirección de correo electrónico: info@starmus.com 

BIGELF ANUNCIAN GIRA EUROPEA PARA 2014



La gira denominada Into the Maelstrom Tour 2014, que servirá de presentación a su aclamado álbum publicado el pasado marzo, Into the Maelstrom, recalará también en España a principios de noviembre. 

Estas son las fechas de la gira:
29 Octubre 2014 – Boerderij, Zoetermeer, Holanda
30 Octubre 2014 – Dortmund FZW, Dortmund, Alemania
01 Noviembre 2014 – Z7, Pratteln, Suiza
02 Noviembre 2014  - Nachtleben, Frankfurt, Alemania
03 Noviembre 2014 – Strom, Munich, Alemania
04 Noviembre 2014 –  Legend Club, Milán, Italia
06 Noviembre 2014 – Razzmatazz 3 Barcelona, España
07 Noviembre 2014 – Copérnico, Madrid, España
08 Noviembre 2014 – Sonora, Bilbao, España
14 Noviembre 2014 – Deaf Institute Manchester, UK
15 Noviembre 2014 – Hard Rock Hell 7, Gwynedd, North Wales, UK
17 Noviembre 2014 – Cathouse, Glasgow, UK
18 Noviembre 2014 – Slade Rooms, Wolverhampton, UK
19 Noviembre 2014 – The Garage, Londres, UK 

miércoles, mayo 21, 2014

PINK FLOYD PUBLICARÁN LA EDICIÓN DEL VIGÉSIMO ANIVERSARIO DE THE DIVISION BELL



Como adelanto de la edición que conmemora el vigésimo aniversario del álbum The Division Bell, Pink Floyd han publicado un vídeo que celebra el lanzamiento de su último trabajo en estudio hasta la fecha.
El vídeo de “Marooned”, que ganó un Grammy en la categoría de Mejor Instrumental de Rock, ha sido dirigido por Aubrey Powell y se grabó en Ucrania el pasado mes de abril.
La caja, que se publicará el 30 de junio de este año, a un precio estimado de 135 dólares USA, incluye un doble vinilo remasterizado por Doug Sax desde las cintas analógicas originales, con portada desplegable y diseñado por Hipgnosis. El producto incluye también el disco original con portada conmemorativa, una versión para Blu-ray en mezcla 5.1, un vinilo transparente de siete pulgadas correspondiente al sencillo “High hopes” y un sencillo en vinilo rojo del tema “Take it back”. Además cuenta con un libreto de 24 páginas y cuatro postales artísticas.
Originalmente publicado el 28 de marzo de 1994, el álbum, que vendió 12 millones de copias, fue escrito, principalmente, por David Gilmour y Richard Wright, con ayuda en las letras por parte de Polly Samson, la esposa de Gilmour. El mismo Gilmour produjo el álbum junto a Bob Erzin, y el colaborador habitual de los Floyd, James Guthrie, ha ayudado para esta nueva remasterización.

martes, mayo 20, 2014

DARRYL WAY PUBLICA CHILDREN OF THE COSMOS



El legendario fundador y violinista de Curved Air acaba de publicar ayer mismo un nuevo álbum a través de Right Honourable Records/Cherry Red. Children of the Cosmos, el primer álbum progresivo que el artista publica en veinte años, muestra su particular visión del rock progresivo cuarenta años después de pertenecer a toda una generación de fundadores del género. El álbum es una muestra de su original método de composición y es todo un ejercicio de violín en clave de rock y tesituras vocales.
Según afirma el artista, tras la publicación de este nuevo álbum: “He intentado recrear el espíritu experimental que originó el movimiento progresivo a finales de los sesenta y principios de los setenta. Tal y como lo hice en los primeros días de Curved Air, he intentado integrar mi formación clásica con música rock para crear un paisaje sonoro emocionante e innovador a partes iguales.”
El violinista continúa diciendo que: “Las letras de las canciones son observaciones propias sobre el entorno actual y el mundo en el que vivimos, haciéndome eco de algunas de las cuestiones mencionadas en la música de finales de los sesenta. Ha sido un placer y todo un privilegio dar este paso una vez más y espero que los seguidores del rock disfruten con este álbum tanto como yo lo hice al crearlo.”
Formados originalmente en 1969, Curved Air fue una banda de art-rock progresivo e innovador y fueron reconocidos por su talento para el espectáculo. Darryl Way se destacó por su exploración de las posibilidades del violín eléctrico y compuso la música del éxito “Back Street Luv” y contribuyó a que tres de los álbumes del grupo estuvieran entre los Top 20 de las listas de éxito. Con Curved Air viajó con muchísima frecuencia, ofreciendo giras por, prácticamente, todas las ciudades más importantes, tanto en América como en Europa.
Tras su andadura con Curved Air, Darry publicó varios álbumes en solitario que fueron aclamados por la crítica, tanto en su vertiente rock como por la de la música clásica. Entre estos estaba su Concerto for Electric Violin.

Temas:
  1. Children of the Cosmos
  2. Spooks
  3. The best of times
  4. Nature’s way
  5. Summer of love
  6. Don’t look back (feat. Pachelbel’s Canon)
  7. Fire with Fire (feat. Rosie)
  8. Lagan love
  9. A winter’s tale
  10. A modern tale
  11. An American tale
  12. Sergey

lunes, mayo 19, 2014

NUEVO TRABAJO DE NATHAN MAHL



Unicorn Digital presenta el nuevo trabajo de Nathan Mahl, que llevará el título de Justify, que para la ocasión ha reclutado a sus colaboradores de mayor confianza para grabar este disco de siete temas que explora las temáticas del Bien y del Mal.
El grupo está compuesto por Guy LeBlanc, Tristan Vaillancourt, Don Price, David Campbell y contará con un invitado especial, Andrew Latimer.
El álbum que aparecerá el 1 de junio de 2014 ya se puede reservar a través de Unicorn y todos aquellos que lo hagan recibirán la copia en CD firmada.

Temas:
  1. Tantrik Kobbler
  2. Deception
  3. It tolls fro thee
  4. Spirit
  5. Ballad o fan angry man
  6. Justify
  7. Infinite Light 


EL GRUPO DE ROCK PROGRESIVO ALICANTINO, NUMEN, NECESITA AYUDA URGENTE PARA SU PRÓXIMO PROYECTO.



Los alicantinos Numen se fundaron un 18 de septiembre de 1992 en Alicante, de la mano de César Alcaraz, voz, Antonio Valiente, guitarras, Manuel Mas, teclados, Víctor Arques, bajo, y Gaspar Martínez, batería.
Después de varios años componiendo y actuando, el grupo publicó, en 1998, a través de la compañía Sacramento, un maravilloso trabajo, Samsara, que no era sino un proyecto serio de rock progresivo y sinfónico, en nuestro país, que recibió una gran acogida por parte de los medios y de los aficionados al género. Pero el caso es tras diversos problemas, el grupo se disolvió, y hace escasamente tres años se volvieron a reunir para continuar su singladura y componer nuevos temas para una segunda publicación.
Tras diez años en silencio y otros tres de duro trabajo, el grupo se decide por la grabación de su segundo CD, que llevará el título de Numenclature, por lo que el grupo solicita nuestra ayuda para poder afrontar los gastos que se derivan de su edición, para que pueda ver la luz en fecha próxima. Es por ello que han iniciado una campaña a través de Indiegogo para recaudar fondos.
Para ello, Numen propone, a través de esa página la donación económica, libre y sin ningún límite (desde un solo euro), para que el sueño pueda seguir cumpliéndose y poder lanzar Numenclature y sus sesenta minutos de rock progresivo de gran calidad.
La campaña iniciada por el grupo, según sus propios cálculos, necesita de 7000 dólares para cubrir los siguientes gastos:
2000 dólares: estudio/grabación en Sonica Studios
2500 dólares: producción y mezcla con Orlando Regidor
500 dólares: masterización
2000 dólares: edición del álbum, distribución, marketing y gastos varios
Una vez alcanzada la cifra estimada, el grupo grabará su álbum durante julio de 2014, lo producirá y mezclará en agosto de 2014, lo editará y masterizará en septiembre de 2014 y, finalmente, lo publicará, en octubre de este mismo año.
Os encarezco a apoyar a este grandísimo grupo porque, si no, de otra forma, se perdería la oportunidad de ver de nuevo funcionando a una banda con una calidad fuera de lo común. Además, por cada contribución, Numen ofrecen recompensas, que se pueden comprobar desde la página de su campaña en Indiegogo.

Algunas reseñas de su primer trabajo: 
"Su música es una enérgico y moderno rock progresivo no exento de influencias de la vieja escuela. Canciones pletóricas a nivel melódico perfectamente comandadas por una labor instrumental envidiable ya sea en los solos o como respaldo de las líneas vocales." (Rafa Dorado, Margen Magazine)
"Un grupo con calidad que de aquí a poco tiempo seguro que estará en un lugar digno dentro de la familia progresiva mundial [...]. Recomiendo este disco de manera personal a todo el mundo que guste de un sinfónico elaborado, elegante y honesto." (José Luis Martínez Arilla, Atropos)
 

sábado, mayo 17, 2014

FIN DE SEMANA


EXCLUSIVA: WOLF PETRUS ESTRENAN TRABAJO Y PÁGINA EN BANDCAMP



IMPROVISACIONES 2014

  1. Improvisación II (6 de abril de 2014) 25:31
  2. Improvisación III (13 de abril de 2014) 16:37

Juan Carlos Palazón del Amo: teclados, guitarras y aparatos electrónicos (Arp Odyssey, Solina String Ensemble, Oberheim OB-8, Mini Moog Voyager, Farfisa Syntrochestra, sequencer Doepfer Dark Time, Doepfer Dark Energy, Memotron, guitarras Gibson).
Tomás Fernández Girón: teclados y aparatos electrónicos (MFOS Ultimate+Expander modular, Doepfer Dark Time, Sequential Circuits Sixtrak, Moog Realistic MG-1, Solina String Ensemble, Farfisa Syntorchestra, Mfb522, Suzuki Omnichord 0M27, Monotribe, Monotron Delay, Ehx small stone/clone, Reel Echo).

10/10

Wolf Petrus, la agrupación madrileña, compuesta por Juan Carlos Palazón del Amo (Glow, Vako) y Tomás Fernández Girón (El Círculo de Willis), estrenan página en la plataforma de música independiente Bandcamp, con dos de sus improvisaciones krautrock progresivas, que se pueden escuchar y adquirir, en formato digital, directamente desde allí.
La música de Wolf Petrus es totalmente improvisada con lo que cada tema supone una experiencia sonora única, que el propio dúo pretende mostrar en vivo como un ejercicio exclusivo con una esencia electrónica, estilísticamente basada en el krautrock y la Escuela Berlinesa de la década de los setenta, con un trasfondo progresivo cercano a Pink Floyd o King Crimson.
Estudiados y cuidados arreglos que fluyen intensamente a través de un paisaje sonoro aderezado de complejas secuencias, con un enorme sabor retro, sobre colchones de teclados analógicos e hipnóticas guitarras eléctricas, imprimen a la música un sabor nostálgico que nos transporta directamente a la década dorada de la música electrónica y progresiva.
Las monolíticas y monumentales jams de Wolf Petrus generan, sin duda alguna, un sonido para la mente lleno de elegancia, exuberantes arreglos y meticulosa instrumentación, dando un resultado de dimensiones catedralicias y reinventando un género clásico para convertirlo en una auténtica experiencia progresiva y electrónica de sabor fresco y contemporáneo.
En la estela de luminarias como Klaus Shulze o Pink Floyd, la amalgama contundente de secciones musicales, convierten cada uno de los temas en auténticos paisajes sonoros llenos de matices que se resuelven como una experiencia vital, que los músicos nos transmiten, para mostrarnos sus sensaciones más íntimas: desde el exultante optimismo de su concepto, hasta la oscuridad y misterio esotérico de sus cambios de tonalidad. Un terreno virgen para explorar donde hay cabida para expresiones electrónicas, recorridos psicodélicos, electrizaciones krautrock y estructuras progresivas.
Wolf Petrus, en un laborioso ejercicio de humildad y honradez, nos ofrecen, más bien nos regalan, dos de sus improvisaciones en un trabajo de exposición, casi íntima, de intelectualidad musical y de experimentación instrumental, para dejar plasmado un ejercicio lleno de alma y sentimiento, donde el vehículo expresivo es su amor por un género difícil, el improvisado, en el que, tanto Juan Carlos ‘Charly’ como Tomás ‘Tomi’, desgranan, paso a paso, como verdaderos amanuenses de una música universal, a la vez que como auténticos exploradores de los recovecos del corazón y la mente, un universo onírico con el objetivo claro de dejar impreso un volumen incunable de expresivo sonido y emotividad sensorial.
Wolf Petrus, una auténtica experiencia auditiva llena de krautrock y esencias progresivas. Un capítulo escrito con letras de oro en la imaginería musical de nuestro país, que trasciende fronteras y épocas, y que se erige en puntal y seria referencia de la música contemporánea del Universo. Dicho queda.

viernes, mayo 16, 2014

KEITH EMERSON RECUERDA AL DESAPARECIDO GIGER



El teclista ha rendido un homenaje a HR Giger, que murió el pasado martes. El pintor, escultor y diseñador suizo murió a los 74 años tras no lograr recuperarse de las heridas sufridas al caer por unas escaleras.
Keith Emerson ha recordado cómo Giger, creador de la portada del álbum de 1973 de ELP, Brain Salad Surgery, siempre mereció un mayor reconocimiento de su obra artística: “Giger fue un personaje extraordinario. Sus pinturas siempre parecían fotografías. Utilizó el arte de la aerografía para conseguir una expresión artística que parecía formar parte de una película. Supongo que por este motivo, acabó acercándose al cine. Y él siempre quiso que un público más amplio admirara su obra.”
Las dos pinturas que se utilizaron para el citado álbum Brain Salad Surgery se perdieron tras una exposición en Suiza en 2005. El artista afirmó en su momento que se sentía más decepcionado por haber perdido la imagen interior, que era una cabeza de mujer, porque “fue un regalo de cumpleaños que hice a mi novia."
Emerson dice, al respecto, que: “Se ofreció una recompensa de 10.000 dólares, pero nunca se ha recuperado.”

RICK WAKEMAN HABLA DE SUS COLABORACIONES EN ESTUDIO DURANTE LOS SETENTA



En un artículo publicado en la revista Prog, Rick Wakeman habla sobre sus distintas colaboraciones durante los setenta cuando estaba en lo más álgido de su producción, bien con Yes bien en solitario. Estos son algunos de los personajes sobre los que habla el genial mago de los teclados.
OZZY OSBOURNE
Yes acompañaron a Black Sabbath por América en los principios y Ozzy y yo siempre nos hemos llevado bien. A causa de mis enfermedades derivadas del alcohol, no he bebido en los últimos veinte años, pero entonces yo era un bebedor serio, como todos los Sabbath, así que éramos como una casa en llamas, coincidiendo todos en que nos gustaba beber por beber. Cuando coincidimos en la gira de Fragile siempre tenían un asiento libre en su avión privado, por lo que viajé con ellos muchísimas veces. Literalmente no te tenías que mover para emborracharte en ese avión. Ozzy se atiborraba tanto como yo, lo cual era tanto como era humanamente posible.

¿Estaba Ozzy en sus cabales cuando trabajé en el Sabbath Bloody Sabbath? No creo que nunca estuviera en sus cabales. En verdad pienso que Ozzy es muy listo porque tiene ese don de parecer estar fuera de control cuando en realidad lo domina todo. Nunca lo vi hecho polvo a la hora de actuar.

En verdad que mostró su versatilidd cuando hizo "Buried Alive" conmigo y la London Symphony Orchestra para el Return to the Centre of the Earth de 1999. Le pedí que hiciera un tema, me preguntó quién estaba y cuando le dije que con la London Symphony Orchestra y con el English Chamber Choir, mas o menos me contesto, pero con palabras menos corteses: “¡Bendita mi alma, suena como un regalo!”
LOU REED
Nos conocimos cuando hice las sesiones de Lou Reed en los Morgan Studios de Londres. El Studio One estaba arriba y la sala de control un piso más arriba. Todos los involucrados esperábamos abajo del todo, en el bar. Algo que no era tan descabellado para mí en aquellos días. Creo que había otra sesión en otro estudio porque Rolf Harris estaba también allí, como, por algún motivo que desconozco, también estaba Ronnie Barrer.
Así que esperabas hasta que te llamaba Lou. Un poco como en la consulta del médico. Finalmente alguien vino y me dijo: “Rick, Lou ya está preparado para que entres.” Así que subí y vi que el estudio estaba oscuro como el betún, a no ser por la lámpara que había en el piano. Puse el culo en el asiento y escucho la voz de Lou en mi oído: “Voy a tocarte esta canción y quiero que toques el piano muy rápido por encima. Asegúrate de tocar muy rápido.”
Toqué unos cuantos fragmentos de canciones y se fue: “Gracias, Ha sido genial.” Me levanté, las luces se encendieron, me dio las gracias y me fui por la puerta. Fue una sesión muy extraña. Siempre fue agradable conmigo, pero me imaginaba que tenía muy mal humor.
MARC BOLAN
La primera vez que conocí a Marc no tenía donde caerse muerto, ni yo tampoco. Nos íbamos al bar de la hamburguesería Wimpy en Oxford Street y el que tenía dinero pagaba las Coca-Colas. Creo que hice las sesiones de “Get it on” porque necesitaba el dinero del alquiler.

Me entendía bien con Marc. Era una persona muy amable y todas las mujeres querían ser su madre porque era un chico diminuto. Pero también tenía un componente apasionado. Recuerdo una vez en 1970 cuando tuvo una bronca con su compañía de discos porque había una canción que él quería grabar y alguien de A&R decía que no. Decidió formar un grupo sólo para grabar esa canción y marcharse de allí. A medianoche nos colamos en el estudio y grabamos esa canción, “Oh baby”, como Dib Cochran and the Earwings. Si encuentras una copia, sé de alguien que pagará cinco de los grandes por ella.
DAVID BOWIE
Cuando trabajabas como músico de sesión en aquella época, la mayoría de artistas te hacían hacer cincuenta tomas y sabías muy bien que iban a utilizar la primera. David fue todo lo contrario cuando trabajé en Space Oddity. Llegué a los Trident Studios, me senté en el mellotrón y después de la primera toma, me dijo: “Ya está.” Le dije que solo había estado allí 25 minutos. Pero Bowie no pierde el tiempo en el estudio. Nunca tiene a nadie aprendiendo los fragmentos allí, piensa que eso es una tomadura de pelo.

Nos hicimos buenos amigos y tardó poco en invitarme a su casa. Él vivía en Becknham. Todo el mundo lo llamaba Beckenham Palace mucho antes de Posh y Beck. Recuerdo estar sentado en aquella habitación mientras cogía su guitarra de doce cuerdas y me tocaba las canciones que formarían parte de Honky Dory. Había hecho sesiones durante muchos años, pero nunca había oído tantos temas que fueran tan buenos.

Años más tarde fui a Bowie a verlo tocar en un concierto y me dijo que quería formar una banda que se llamara Spiders from Mars y quería que Mick Ronson y yo estuviéramos en ella. Pero fue el mismo día que recibí una llamada de Yes. Era como si te pidieran fichar por el Manchester United o el Chelsea. Escogí a Yes porque en los Spiders, David siempre iba a ser el líder.
ELTON JOHN
Te podría sorprender si te dijera que Elton no perdió los estribos durante la grabación de Madman Across the Water. Creo que Elton es un mundo, pero la verdad es que no soporta a los tontos. Es como un detonador, como yo. Porque cuado intentas lograr algo musicalmente y alguien no ha hecho su trabajo, todo se puede arruinar.

Conocía realmente a Elton antes de la sesión de Madman. Cuando “Your song” se publicó en 1971, dio un concierto en el Royal Festival Hall y yo estaba en su grupo tocando el Hammond. Era un pianista buenísimo, pero nunca le gustó tocar el órgano.

Creo que su status de celebridad es brillante en estos días. Yo también pasaría el rato con los Beckham si pudiera. El caso es que él no tiene que pasar el rato con ellos para salir en los periódicos. En realidad, tengo el máximo respeto por todo lo que ha hecho. Y si las rabietas son parte de su maquillaje, entonces que así sea.
JOHN ENTWISTLE
De vuelta a la década de los sesenta, había pubs a los que la gente, cuando se levantaba, iba y mi local favorito era uno de ellos. Así que me iba al Red Lion –era menor de edad, pero eso no importaba-, y me invitaban a tocar con todos aquellos grandes músicos. John Entwistle vivía a la vuelta de la esquina y acudía allí también. Tenía sólo dieciséis cuando lo conocí por primera vez en 1965.

A ambos nos contrataron para alguna sesión de la BBC por entonces y llegamos a ser buenos amigos. Más tarde vendría a mi programa de televisión Gas Tank y tocaba un solo de bajo en medio de esa pieza que habíamos improvisado. Su solo en los ensayos era bueno, pero cuando actuaba se superaba ampliamente. Nos dejaba con la boca abierta. Y decía algo así como: “¿Así ha estado bien?”

Echo mucho de menos a John. Fue a ver a los Who en el Madison Square Garden dos semanas antes que muriera en 2002. Me senté con Pete Townshend y le dije: “Dios, echo de menos al cabrón.” Era un personaje único y revolucionó el modo de tocar el bajo.
CILLA BLACK
Ella venía a las sesiones y llamaba cariñosamente a todo el mundo ‘pollo’. Estaba en la sala de control, por lo que recuerdo, y a nosotros, humildes músicos, sólo se nos permitía entrar cuando se nos invitaba. Al final nos dijo a todos, y no puedo evitar un acento de Liverpool, “muchísimas gracias a todos, pollos.”

La he visto un par de veces después, años más tarde, pero en aquella época hizo miles de sesiones y no creo que se acordara de mí. No creo que sea nada malo que se hiciera presentadora. Creo que fue muy buena como anfitriona en el programa Cita a Ciegas.
JON ANDERSON
La primera vez que vi a Jon fue cuando Strawbs telonaron a Yes en Hull. Abríamos el concierto y yo había oído todo de Yes, así que después de actuar me senté detrás del escenario y los estuve viendo. La mayoría de los cantantes de la época eran altísimos y tenían el pelo grasiento y va y llega este diminuto personaje con voz de contralto.

La prensa tenía carnaza con nuestra relación porque yo comía carne y bebía cerveza y él era un vegetariano abstemio. Decían que nos enfrentábamos continuamente, lo cual era ridículo. Quiero decir que tuvimos discusiones fuertes y con frecuencia se nos escuchaba gritar por algo que había salido mal. Al día siguiente leías: “¡Yes se separan!” La verdad es que nunca fue algo físico. El mide la mitad que yo. Jon y yo hicimos una gira como dúo el año pasado y nos recordaron la basura que se leía en la prensa. Me explico. ¡La de veces que he leído que Keith Emerson y yo nos odiábamos! Una vez estábamos comiendo Keith y yo en Londres y por lo menos tres personas se acercaron a decirnos lo bueno que era que nos hubiéramos reconciliado.
[Keith, que tiene un gran sentido del humor, se dirigió a ellos y les dijo: "Sí, era sólo una cuestión de tiempo que uno de nosotros matara al otro." N.d.trad.]
THE BEATLES
Los conocí a todos, pero nunca los vi en directo. George Harrison me dijo una vez: “Bueno, no te has perdido mucho porque de todos modos no hubieras podido escucharnos.” Siempre me acuerdo cuando pasé un par de días con él en Cannes mientras paseábamos por la playa y hablábamos desde la paz mundial hasta Vietnam. Paseábamos durante dos horas arreglando el mundo.
JIMI HENDRIX
Nunca conocí a Hendrix. Me hubiera encantado haberlo visto. Era único en lo que hizo y cómo lo hizo. Pero, como a un motón de otras personas, sólo puedo verlo en película.

FUENTE: PROG MAGAZINE