martes, abril 29, 2014

SALE A LA LUZ EL DISCO MALDITO DE ALAN PARSONS PROJECT: THE SICILIAN DEFENCE



Hace un mes aproximadamente, el 31 de marzo, se publicó la caja de The Alan Parsons Project, Complete Albums, en la que se incluye The Sicilian Defence, un álbum que nunca fue editado por Arista, y que tiene una historia cuanto menos curiosa.
En 1981, el grupo y Arista Records estaban en medio de unas tensas negociaciones contractuales que parecían estar bloqueadas y no llevaban a ningún lugar, por lo menos para Alan Parsons y su compañero, el desaparecido Eric Woolfson. Esto fue el origen de The Sicilian Defense, que metafóricamente representaba un beso de despedida diseñado para cumplir con las obligaciones contractuales y que, posteriormente, sería relegado al llegar ambas partes a un acuerdo.
El álbum fue creado y grabado por Parsons y Woolfson en una sesión de tres días en los Bear Studios de Francia y fue entregado a Arista en marzo de 1981 en medio de unas tensas negociaciones entre el dúo y Clive Davis, representante de Arista en aquel momento. El título dado al disco proviene del nombre de una serie de movimientos de apertura de ajedrez, un nombre muy apto en aquel momento teniendo en cuenta las circunstancias que rodeaban al álbum. Se trata de una colección de música disonante y atonal, en realidad una colección de temas instrumentales a medio camino entre la improvisación y el esbozo de temas en potencia, todos a piano o sintetizador, muy alejada de lo que Davis esperaba de la banda, por lo que fue dejado de lado en los archivos de Arista hasta la publicación de Gaudi en 1987, el último álbum de colaboración entre Alan Parsons y Eric Woolfson, que dieron como finalizada su relación cuando se publicó Freudiana, en realidad una ópera rock compuesta por Eric en la que Parsons sólo colaboró en un tema.
La leyenda creció entre los seguidores del dúo, hasta que en un acto de humor, Alan Parsons decidió incluir una versión editada del tema “Elsie’s theme”, que procedía de la Defensa Siciliana, como tema extra de la edición extendida de Eve. Publicado el tema, el clamor popular y la leyenda se detuvo.
Y es que, originalmente, en aquella época, 1979, la banda estaba saturada por el trabajo en estudio y quería un descanso, a lo que Arista se negó y decidió establecer fechas de vencimiento para el tercer y cuarto disco de la banda. Por esa razón Alan Parsons Project decidió grabar dos álbumes a la vez: Eve y The Sicilian Defense, éste último compuesto y grabado de mala manera para dar un resultado inaccesible e inaudible a los golosos de Arista, que rechazaron textualmente la obra por “incomprensible, inescuchable e impublicable.” Incluso Parsons ha dicho en varias ocasiones que esperaba que el álbum nunca viera la luz: “The Sicilian Defence nunca fue publicado y nunca lo será si de mí depende. No lo he escuchado desde que lo terminamos. Espero que las cintas ya no existan.”
Sobre la publicación ahora del disco, el músico, productor e ingeniero de sonido ha dicho: “Es algo así como una pieza histórica que sirve para documentar el catálogo completo del grupo, pero no está entre lo mejor que hicimos, ni de lejos. El álbum nació bajo presión y no está cuidado, ni pulido, al mismo nivel que lo están todos los demás. No alcanza el nivel de los discos legítimos del Project.” 

IAN ANDERSON DEJA EL CATÁLOGO DE LA BANDA COMO UNA HERENCIA



A Ian Anderson le gusta la idea de dejar el catálogo de Jethro Tull como herencia y subraya el hecho de que no le gusta tener que anteponer su nombre en primer lugar. Además, describe su trabajo como Jethro Tull como algo histórico y dice que está feliz de dejarlo tal como está. Acaba de publicar Homo Erraticus, utilizando su personaje, Gerald Bostock, por tercera vez. La primera fue en Thick as a Brick en 1972 y la segunda, ya como Anderson’s Thick as a Brick 2, en 2012.
Según cuenta en Billboard: “Para mí, Jethro Tull es un vasto repertorio de música editado por el grupo. Si lo analizamos bien, realmente todo terminó hace diez años o así, con un par de álbumes en directo y un álbum en estudio de material navideño. Esos serían los últimos álbumes bajo el nombre de Jethro Tull. Es una obra que ahora pienso que es histórica ya que su peso se encuentra entre los años setenta y los ochenta. Creo que es mejor dejarlo como un legado.”
Es bien conocido que a Ian Anderson nunca le gustó el nombre de Jethro Tull. Fue elegido al azar por el agente del grupo: “Si me hubiesen preguntado hace 20 años, me lamentaría de que toda mi carrera musical estuviera bajo ese nombre. Esa sería mi respuesta entonces y esa es mi respuesta ahora. No puedo dejar de sentir cada vez más que soy culpable de un robo de identidad. Es como si viera al viejo Jethro Tull en un cajero automático, me inclinara para ver su PIN, le birlara su tarjeta del bolsillo trasero mientras se alejaba y, a continuación, esquilmara su cuenta bancaria. Esto no hace que me sienta muy bien.”
Termina su entrevista añadiendo: “Nunca presté mucha atención en mis clases de historias así que no sabía muy bien quién era ese hombre muerto hasta dos semanas más tarde.”

LOS ITALIANOS CONQUEROR PUBLICAN NUEVO TRABAJO



Cuatro años han pasado desde que los italianos Conqueror publicaron su último álbum en estudio, Madame Zelle. Años que han supuesto una gran trasformación en la banda que han dado como resultado un nuevo trabajo, Stems, menos orquestal y centrado en lo que fue su formación original.
El nuevo trabajo, editado en digipack de lujo, contiene ocho temas con una duración total de una hora, y ha sido grabado entre enero y marzo de 2013 en el Ixplon Studio con producción del propio grupo y el sello Ma.Ra.Cash y teniendo como ingeniero a Ottavio Leo.
Temas:
  1. Gina
  2. Di notte
  3. False idee
  4. Un’altra realtà
  5. Sole al buio
  6. C’est la vie
  7. Sigurtà
  8. Echi di verità
Simona Rigano: teclados y voz
Ture Pagano: guitarras
Peppe Papa: bajo
Natale Russo: batería

MYSTERY PRESENTAN A SU NUEVO CANTANTE, JEAN PAGEAU



Los canadienses, tal y como ya anuncié en su día, presentan a su nuevo vocalista, Jean Pageau, en un vídeo grabado en el segundo ensayo con la banda, que está en la actualidad preparando lo que será su gira europea para septiembre de este año.
Mientras tanto, Mystery han comenzado la composición de un nuevo álbum en estudio y está en proceso de mezclas del álbum en directo, grabado en el Boerderij de Holanda el año pasado. El doble CD en directo, que cuenta con una de las últimas participaciones de Benoit David (que fue el vocalista de Yes entre 2008 y 2012) en la banda, se publicará este otoño.
Además, la banda ha publicado recientemente un CD recopilatorio de su trayectoria, titulado Unveil the Mystery, a través de su sello Unicorn Digital.

OBSIDIAN KINGDOM FICHAN CON SEASON OF MIST



Los catalanes Obsidian Kingdom, fundados en 2005,  ya no son una banda independiente puesto que han firmado contrato con Season of Mist, sello francés que tiene en su seno a agrupaciones como Morbid Angel, Maygem y Cynic.
Como primer paso en su nueva andadura, Mantiis (An Agony in Fourteen Bites), publicado originalmente en 2012, se reeditará y saldrá a la venta el próximo otoño. Mientras tanto, algunas de las pocas copias que quedan de la edición en vinilo del disco se podrán adquirir directamente desde la tienda del sello. Además, para celebrar el evento, el grupo publica su primer vídeo oficial de Mantiis, “Fingers in anguish”, un cuento visual mórbido sobre la soledad urbana, novias muertas y el paso del tiempo.
El estilo de los de Barcelona, que en la actualidad ya está componiendo temas para un nuevo trabajo, difícil de catalogar, se inscribe en algún lugar entre el rock progresivo, la música experimental y el post metal.

lunes, abril 28, 2014

STEVE HOWE: “TODAS MIS AVENTURAS MUSICALES SON IMPORTANTES”



Steve Howe, preparado para la gira norteamericana de 35 fechas que comenzará en verano próximo, junto a Chris Squire, Alan White, Geoff Downess y Jon Davison, en una reciente entrevista afirma que lo único mejor que un álbum en directo es una actuación en directo de un legendario álbum. Pero Yes no solamente interpretarán uno de sus discos durante la gira, sino que tocarán, en su totalidad, Fragile y Close to the Edge, además de sus mejores temas de toda la carrera y temas de su nuevo álbum, Heaven and Earth, que, como todos a estas alturas ya sabéis, se lanzará el próximo 8 de julio.
A este respecto, Steve Howe, incluido en la lista de los mejores 100 guitarristas de rock de todos los tiempos según la revista Rolling Stone, ha afirmado en una entrevista reciente que: “Son dos experiencias totalmente distintas. Tocar sólo temas de nuestra discografía es como una especie de protección. Estás dando saltitos. Tocas un tema de aquí, vuelves a allí y sigues con otro de allá. Eso es lo normal. Pero puesto que me he visto involucrado en hacer álbumes con otros grupos, creo que esto es mucho más conceptual. Tenemos la oportunidad de entrar en un estado de ánimo particular que no dura tan sólo cinco o diez minutos, sino que dura cuarenta. Es un argumento. Es una historia que cuenta mucho más.”
Es posible que haya quien guste de ver a un grupo evolucionar en escena y no de ver cómo se interpreta un registro nota por nota, a lo que Steve Howe dice que los veteranos de la música ya aprendieron a tocar hace mucho tiempo: “Si hubo algo de improvisación en uno de los temas cuando se compuso, parte de ello coexiste en su interpretación. Creo que hay estructuras reconocibles y melodías en algún punto de los temas, y no importa si soy yo o Geoff, como por ejemplo cuando toca ‘Wonderous stories’. Mucho de lo que Rick tocó en el tema original era, en realidad, improvisado. Pero se ha hecho parte de la melodía y creo que tenemos que respetarlo. Así que de este modo creo que nos atenemos mucho más al registro original de lo que la gente se piensa, lo que nos permite improvisar allí donde la improvisación original siempre tuvo lugar.”
En cuanto a la selección de los dos álbumes referidos líneas arriba, en vez de la interpretación de los tres que se hizo para la gira de 2013, el guitarrista prosigue diciendo que: “Queríamos hacer algo que representara un intervalo de años y que no se refiriera a una parte concreta de nuestra carrera. Esa fue una de las consideraciones previas. Otra fue la posibilidad real de hacer un álbum completo todos juntos. Si lo intentáramos con Relayer sería una decisión difícil. Si lo hiciéramos con Topographic Oceans, sería otra decisión complicada. Esos álbumes tuvieron su propio tiempo y nosotros estábamos preparados para ellos. Going for the One fue relativamente aventurado cuando lo sacamos. Close to the Edge y The Yes Album fueron un trabajo más fácil.”
La técnica de Howe a la guitarra fue una de las piezas claves para que Fragile y Close to the Edge fueran aceptados en los Estados Unidos, y aunque está en la naturaleza humana el definir y etiquetar, como que Steve Howe es uno de los más grandes guitarristas de la historia del rock, Steve ha aprendido a soportar todo tipo de estereotipos: “Uno aprende a vivir con la reputación que la gente cree que tienes. Y yo no soy lo que la mayoría piensa que soy. Los que de verdad conocen la música de Yes y conocen mi trabajo en solitario saben que yo soy más de lo que hay en Yes. De este modo no puedo esperar que la gente que no conozca mi trayectoria me vea de otra manera distinta. Estoy feliz con ello y le doy el valor que tiene y pienso que soy uno de los Yes y tengo que vivir con ello. Pero otra parte de la audiencia tiene un conocimiento distinto y saben del profundo gozo que tengo con gente como Wes Montgomery y Chet Atkins y otros jóvenes guitarristas que son fuente de inspiración. Afortunadamente, siempre hay algo en un artista más profundo de lo que puedes apreciar en su superficie. Todos, en cierta medida, estamos etiquetados, pero a veces es acertado y otras lo es menos.”
De este modo, la habilidad del guitarrista para bucear por distintos géneros musicales, demuestra la poderosa versatilidad del músico que termina afirmando que: “Por otro lado, tanto Asia, como los otros proyectos que he hecho, así como lo que hice en los sesenta, todo ello forma parte de mí. No es que excluya una de las partes y le dé más importancia a otras, incluso cuando Yes es la parte más predominantemente visible. En definitiva, todas mis aventuras musicales tienen la misma importancia.”

FUENTE: EXAMINER.COM

KEITH EMERSON: “YA TENGO SETENTA AÑOS… QUIZÁ ESTE AÑO SEA EL ÚLTIMO DE ACTUACIONES EN DIRECTO”



Todos sus amigos se compraron baterías y guitarras, pero Keith Emerson se compró un sintetizador. A los 26 años, quería un Moog y el resto de la banda le preguntó que qué demonios era aquello. Símplemente contestó: “esperad y ya veréis.” No tuvieron que esperar mucho, ese mismo año, ELP publicaron el sencillo “Lucky man”, uno de los primeros temas de rock que incluía un solo de sintetizador.
Muchos años han pasado desde aquel momento y Keith Emerson, hace tan sólo dos días, delante de la audiencia del Moogfest que se celebró en Asheville afirmó que esa actuación podrá ser una de sus últimas apariciones en directo: “Ya he cumplido setenta años. Este podría ser el último año en el que realmente voy a actuar en público.”
Últimamente, Emerson se ha introducido en la dirección de orquestas sinfónicas (“quizá no pueda dirigir obras clásicas, pero me apaño bien con las composiciones de ELP”) y se dedica a viajar por todo el mundo a lugares donde las orquestas sinfónicas interpreten música de Emerson, Lake and Palmer.
Además del festival Moog, Keith Emerson asistió el pasado 1 de abril a la inauguración del nuevo modelo de Moog, el personalizado Keith Emerson Model, realizado por Gene Stopp y Brian Kehew, siguiendo fielmente los mismos métodos de ensamblaje a mano que se utilizaron en la fábrica de Trumansburg en 1969, para celebrar el 50 aniversario del Moog Modular.

EN CONVERSACIÓN CON BAULUNA



El dúo nacido en Barcelona, allá en 1997, ha publicado a principios de este mismo año su segundo trabajo, lleno de elementos musicales que no son sino como ellos mismos afirman un “paisaje para el alma”. Tras Healand (2013), Joaquín Luna y Eric Baulenas publican Lunacy, un trabajo lleno de ambiente y espíritu progresivo en una auténtica recreación psicodélica de los setenta aderezada con elementos melódicos del folk y del krautrock para dar forma a uno de los trabajos instrumentales contemporáneos con mayor calidad musical de las últimas décadas.
Esta es la entrevista que mantuve con uno de sus miembros, Eric Baule, en la que desgrana su trayectoria, sus influencias y una vida dedicada a la comunicación musical con un oyente ávido de nuevas sensaciones progresivas actuales.

Antes de nada me gustaría conocer los principios de Bauluna. ¿Cómo surge esa colaboración entre tú y Joaquín y qué os movió a fundar el proyecto?
Joaquín y yo nos conocemos desde los 2 años de edad, y durante nuestra adolescencia surgieron las primeras composiciones. La manera de trabajar que teníamos entonces se ha mantenido hasta ahora, aunque con el tiempo hemos ido enriqueciéndonos musicalmente.
Nunca nos planteamos el hecho de fundar una banda como Bauluna, mas bien ha sido fruto de nuestra inquietud como músicos y la química existente entre los dos lo que ha hecho que sigamos grabando.

Visto así, surge una pregunta inevitable: ¿cuál es vuestra trayectoria musical?
Por mi parte he formado parte de diversas formaciones musicales, como colaborador puntual o músico de sesión, tanto de metal extremo (Embedded, Frozen in Frost, Foscor), como de pop-rock-blues-folk (J.M.Baule), o rock progresivo (RC2, ReeKohl). No fue hasta 2001 que nació mi proyecto principal,  Moonloop, con los cuales editamos nuestro primer CD en 2012 después de varias demos auto-producidas. Moonloop es una síntesis de metal extremo mezclado con elementos que provienen de muchas fuentes. A finales de 2009 formé la banda Eric Baule, a raíz de tener bastante material grabado en solitario de estilo progresivo con predominancia de la guitarra solista. Actualmente estamos finalizando la grabación de nuestro primer disco, que esperamos tener listo antes de que finalice 2014.
Joaquín siempre ha mantenido un carácter independiente respecto a su música, y prueba de ello son las diversas grabaciones en solitario que ha ido desarrollando a lo largo de los años. Además perteneció a la primera formación de Gúdar (por aquél entonces  llamados Folguies), y posteriormente a The Ads, ambas bandas vinculadas al pop-rock pero bastante inclasificables estilísticamente.

Analizando vuestra trayectoria, se aprecian incorporaciones dentro de la música de Bauluna que enriquecen el producto final. No obstante, considero este álbum más cercano al rock progresivo, sinfónico o experimental, considéralo como quieras, que a un ejercicio de electrónica ambiental, principalmente por las estructuras y los arreglos… No sé si estás de acuerdo conmigo en esto.
En Healand las composiciones partieron de las guitarras acústicas, y ese fue el sonido predominante en todo el álbum. De forma deliberada buscamos que Lunacy fuera más variado y no partimos únicamente de las guitarras. Algunos de los temas están compuestos a partir de teclados, y también usamos guitarras que han perdido su sonido natural (además de guitarra eléctrica), quizás por eso el resultado final suena mas sinfónico y experimental. También ha habido avances respecto a la grabación, ya que para Healand el proceso fue totalmente analógico, mientras que ahora hemos empezado a aplicar algunas ventajas de las muchas  que tiene trabajar con la edición digital. Esto nos ha abierto un abanico de posibilidades mucho más amplio tanto a nivel compositivo, cómo sonoro, aunque aún nos queda mucho camino por delante en ese aspecto.

Retomando esto último, y quizá desde un punto de vista más cósmico progresivo, la utilización de teclados con sonidos analógicos le da una profundidad clásica pero desde un punto de vista contemporáneo. Mi pregunta, en este caso, es doble: ¿Por qué ese empeño en los sonidos de teclados analógicos? ¿Es algo premeditado para el resultado final? 
Escuchamos mucha música que contiene sonidos analógicos de todo tipo, y nos sentimos familiarizados y a gusto con ellos. Algunas veces pueden ser premeditados, ya que una acústica y un mellotrón pueden ser tan evocadores que nunca nos cansaremos de utilizarlos. Otros sonidos más cósmicos y abstractos son fruto del mismo proceso creativo y surgen de la experimentación durante el desarrollo de un tema. Los sonidos analógicos de los años 60 o 70 nos resultan muy inspiradores, pero no nos cerramos a utilizar otros sonidos mas actuales, tal y como se puede apreciar en algunos temas de Lunacy.

¿Cómo es vuestro método de composición? ¿Compartís ideas, exploráis sonidos? En definitiva, ¿cómo es la comunicación musical entre vosotros dos?
Joaquín suele traer ideas o canciones definidas en las que me resulta fácil inspirarme para crear melodías o acompañamientos de guitarra, teclado, bajo, o voz, aunque en algunas ocasiones es él el que trabaja los arreglos sobre ideas o canciones mías. Compartimos ideas y desarrollamos los arreglos de forma conjunta, pero el gusto de Joaquín por la experimentación le ha llevado a crear temas y a vestirlos deformando los sonidos con todo tipo de efectos. Otra forma de comunicarnos para crear es mediante las jams en las que nos dejamos llevar con las guitarras. Siempre sacamos algo que vale la pena de ahí.

Escucho en vuestro disco, como algo que lo define, un sonido etéreo en su conjunto, pero también en los instrumentos en particular. ¿Es ese elemento melódico y etéreo, por ejemplo en las maravillosas guitarras que transitan por vuestro trabajo, algo que define vuestro trabajo como grupo? ¿Qué es lo que verdaderamente, desde lo más profundo de vuestra sensibilidad musical y compositiva, queréis transmitir al oyente? 
La guitarra nos define porque es nuestro instrumento principal a la hora de componer y crear melodías. Entendemos nuestra música como un vehículo para que el oyente pueda entrar en estados introspectivos o evadirse. Aunque volcamos todas nuestras emociones y estados de ánimo en los temas, pensamos en éstos más como pasajes que como canciones cerradas, ya que no se trata de encerrar sino de todo lo contrario, se trata de dar al oyente los espacios y salidas para que tengan la libertad de hacerlos suyos.

En un trabajo sumamente original como es el vuestro, con un sonido tan definido y propio, también se aprecian influencias de música, tanto folk como progresiva o espacial y ambiental, de otros artistas. ¿Son vuestras influencias, derivadas de vuestros gustos, evidentemente, contemporáneas o clásicas del rock? Y, claro, ¿cuáles son vuestros músicos o grupos favoritos? 
Tengo influencias que provienen de muchos estilos distintos de música, tanto del pasado como actual. Por nombrar a algunos artistas o bandas, estos serían Steven Wilson, Opeth, Joe Satriani, Devin Townsend, o Pink Floyd, entre muchos otros. Básicamente me decanto por bandas de metal y de progresivo, pero el género progresivo ortodoxo no es algo con lo que comulgue del todo. Más bien considero progresivo a todo aquello que implique mezclar elementos, creando algo interesante para excitar la percepción del oyente, sin estar atado a ninguna etiqueta o estilo. Se nos hace difícil responder a esta pregunta porque existe música para muchos momentos y estados, y eso siempre amplía el abanico de influencias.
Joaquín ha sido y sigue siendo variado en sus gustos musicales, pero si hay algo por lo que se decanta con preferencia, es por la música que invita a la evasión, a la introspección, y a la experimentación sonora. Entre sus gustos figuran Popol Vuh, Bark Psychosis, Neu, Agitation Free o Neil Young, aunque como antes he comentado, nuestro abanico de influencias es tan amplio que se nos hace complicado resumirlo.

Vamos a imaginar un hipotético cartel de un festival en el que Bauluna participa. ¿Con quién o quiénes y por qué os gustaría actuar con ellos?
Nos gustaría tocar con bandas como Grails, Storm Corrosion, Swans,  Slowdive, o Robert Fripp con Theo Travis, porque crean ese tipo de atmósferas con las que nos sentimos afines.

¿Mantenéis contacto con otros grupos? 
Estamos en contacto con diversos músicos debido a que tanto Joaquín como yo formamos o hemos formado parte de diversas formaciones musicales.
 
Con dos discos en vuestro haber, ¿vais a actuar en directo o estamos ante un proyecto de estudio? ¿Cuáles son vuestras intenciones de futuro?
Nuestra intención para este año es poder llevar a cabo algunos conciertos en pequeño formato, aunque todavía nos queda bastante por trabajar en ese terreno porque hay que estudiar cómo trasladar nuestro sonido de “estudio” al escenario. Además, para poder presentar nuestra música en directo es necesario contar con más manos que las nuestras, lo que implica más ensayos, y más tiempo.

Añade lo que quieras para mis lectores y vuestros oyentes, amigos y cómplices de Bauluna todos ellos. 
Estamos muy agradecidos por el apoyo mostrado por tu parte José Luis, y es muy gratificante cuando alguien nos hace llegar su opinión después de haber oído nuestra música. Agradecemos también a toda la gente cercana el afecto y apoyo recibido.
Os invitamos a escuchar nuestra música a través de la página de Bandcamp, Soundcloud y a visitar nuestra página en Facebook .

viernes, abril 11, 2014

SEMANA SANTA



Queridos amigos, me despido de todos vosotros temporalmente hasta el próximo 24 de abril, puesto que me marcho de vacaciones de Semana Santa al Bajo Aragón, a disfrutar de la Ruta del Bombo de la provincia de Teruel.
Durante estos días, desde hoy mismo, no publicaré nada en el blog, a no ser que fuera estrictamente necesario, puesto que me alejo durante unos días de la tecnología cibernética para descansar y disfrutar de la familia.
Os invito, de todos modos, a que sigáis visitando mi Facebook, así como el Grupo de Rock Progresivo Español, que cada día va ganando más adeptos y, por ende, más información sobre los grupos patrios de todos los tiempos dedicados a este género que adoramos.
Espero que paséis buenas fechas durante mi ausencia y nos vemos a la vuelta.
Gracias y hasta mi regreso.

miércoles, abril 09, 2014

EL NUEVO ÁLBUM DE OPETH YA TIENE TÍTULO



El nuevo trabajo de los suecos llevará el título de Pale Communion y será lanzado el próximo 17 de junio a través de Roadrunner. El úndécimo álbum de la banda ha sido producido por Mikael Akerfeldt y Steven Wilson, socios en Storm Corrosion, y contiene ocho nuevos temas.
El sucesor de Heritage (2011) estará disponible en varios formatos, incluido el vinilo, y será precedido del sencillo “Cusp of Eternity”, que estará disponible a partir del 6 de mayo.

Temas:
1. Eternal Rains Will Come
2. Cusp of Eternity
3. Moon Above, Sun Below
4. Elysian Woes
5. Goblin
6. River
7. Voice of Treason
8. Faith in Others

THE FLOWER KINGS ANUNCIAN FECHAS DE GIRA Y GRUPOS DE ACOMPAÑAMIENTO



Flower Kings están de gira este mes de abril y el próximo de mayo,o presentando el álbum del año pasado, Desolation Rose. Sound of Contact y Karmakanic serán los grupos invitados que abrirán sus conciertos en distintas fases de la gira. Se anunció previamente que Daniel Glidenlow, de Pain of Salvation, se uniría a los conciertos, pero ha tenido que desistir debido a problemas de salud. Karmakanic formarán parte de la gira del 25 de abril al 4 de mayo,o, y Sound of Contact se unirán el 6 de mayo hasta el 12 del mismo mes.

Fechas:
Viernes, 25 Abril, Holanda, Uden, De Pul – con Karmakanic
Sábado, 26 Abril, Bélgica, Progresiste festival
Domingo, 27 Abril, Alemania, Bochum, Zeche - con Karmakanic
Lunes, 28 Abril, Suiza, Pratteln, Z7 Musikfabrik - con Karmakanic
Martes, 29 Abril, Italia, Milán, Bloom - con Karmakanic
Miércoles, 30 Abril, Francia, Lyon, Ninkasi Kao - con Karmakanic
Viernes, 2 Mayo, España, Barcelona, Salamandra 1 - con Karmakanic
Sábado, 3 Mayo, España, Peralta, Auditorium - con Karmakanic
Domingo, 4 Mayo, España, Madrid, Shoko - con Karmakanic

Martes, 6 Mayo, Francia, París, Trabendo – con Sound of Contact
Jueves, 8 Mayo, Reino Unido, Londres, O2 Islington Academy - con Sound of Contact
Viernes, 9 Mayo, Reino Unido. Leamington Spa, Assembly - con Sound of Contact
Sábado, 10 Mayo, Holanda, Zoetermeer, De Boerderij - con Sound of Contact Domingo, 11 Mayo, Alemania, Hamburg, Markthalle - con Sound of Contact
Lunes, 12 Mayo, Dinamarca, Copenhagen/ Hvidovre - con Sound of Contact

martes, abril 08, 2014

RECORDATORIO DE ALGUNOS DE LOS PRÓXIMOS LANZAMIENTOS



ABRIL 14, 2014
Ian Anderson: Homo Erraticus
Se Delan:  The Fall
Tuomas Holopainen:  Music Inspired By the Life and Times of Scrooge

ABRIL 15, 2014
Delusion Squared: The Final Delusion
Dawn: Darker
Anubis Gate:  Horizons
Renaissance: Symphony of Light (reedición de Grandine il Vento +
bonus)

ABRIL 18, 2014
Stream of Passion: A War of Our Own

ABRIL 19, 2014
Jethro Tull: Live In Switzerland, 2003

ABRIL 28, 2014
Nick Magnus: N'Monix
Lalle Larsson: Until Never

MAYO 2, 2014
Epica: The Quantum Enigma

MAYO 3, 2014
IQ: The Road Of Bones

MAYO 5, 2014
Eno-Hyde: Someday World

MAYO 15, 2014
Devin Townsend: Casualties of Cool

JULIO 8, 2014
Yes: Heaven and Earth

FECHA EXACTA DESCONOCIDA
Pendragon: Título todavía por confirmar (octubre 2014)
Mats/Morgan: Schack Tati (mayo 2014 )
Supernal Endgame: Touch the Sky, Vol. II. (abril 2014)
Big Big Train: Station Masters (2014)
                                                      Dice: Twentaurus (mayo 2014)

lunes, abril 07, 2014

NUEVO ÁLBUM DE NECROMONKEY



Necromonkey, el proyecto de Mattias Olsson (Anglagard, White Willow) y David Lundberg (Gösta Berling), recientemente han publicado su segundo álbum, A Glimpse of Possible Endings, un trabajo basado en sus raíces progresivas con tendencia electrónica, tal y como ellos mismos afirman: “una mezcla entre Magma y Sigur Ros o Radiohead.”

Temas:
1. "There Seems to Be Knifestains in Your Blood"
3. The Counterfeit Pedestrian
4. A Glimpse (Of Possible Endings)
5. The Worst Is Behind Us

David Lundberg: todos instrumentos
Mattias Olsson: todos instrumentos

Músicos colaboradores:
Leo Svensson-Sander: violonchelo (1, 4), sierra (4)
Kristofer Eng Radjabi: Theremin (1)
Rob Martino: Chapman Stick (2)
Kristian Holmgren: mezcla (2), bajo (5)
Elias Modig: bajo (4)
Yann Le Nestour: clarinete bajo, clarinete metálico (4)
Einar Baldursson: guitarra eléctrica, slide, E-Bow (4)
Martin Von Bahr: oboe (4, 5)
Tiger Olsson: voz (5)

viernes, abril 04, 2014

NACE UNA NUEVA AGRUPACIÓN ESPAÑOLA: WOLF PETRUS

Wolf Petrus surge tras la gran amistad y la afinidad musical de Vako y Girón. Ambos presentan un proyecto en el que su música, generada por guitarras eléctricas y teclados analógicos, se presenta en una serie de conciertos improvisados de música experimental cuyo sonido se basa en aquellos sonidos de los setenta, generados por Tangerine Dream, King Crimson, Klaus Schulze o Pink Floyd. La actividad de Wolf Petrus está ideada para representarse exclusivamente en directo, por lo que cada concierto se convertirá en una experiencia sonora de esencia krautrock única. 
Más información en breve desde estas mismas páginas.

LOS DIEZ MEJORES DE RUSH SEGÚN LOS LECTORES DE ROLLING STONE



La semana pasada Alex Lifeson declaraba que el trío estaba preparando una gira para 2015 para celebrar el 41 aniversario del grupo y que sería “una buena oportunidad para tocar material raro de Rush.” La revista propuso a sus lectores una votación para determinar cuáles eran los mejores álbumes de los canadienses según su criterio. Y este fue el resultado:
10. Signals
El último álbum con el productor Terry Brown y uno de sus mayores éxitos comerciales. “New World man” se convirtió en el primer sencillo del grupo que alcanzaba el número uno en la lista del Billboard y el álbum fue el que consiguió los puestos más altos de las listas canadienses hasta la llegada en 2012 de Clockwork Angels.
9. Rush
El debut del grupo con una gran influencia de Led Zeppelin en sus surcos. En él aún todavía militaba el batería original y fundador, John Rutsey, hasta que sus problemas con la diabetes forzaron a que dejara la formación.
8. Clockwork Angels
Cinco años después de Snakes & Arrows, el grupo publicó este trabajo, considerado por muchos críticos y seguidores como el mejor después del descanso sabático de Neil Peart en los noventa. La novelización de Kevin J. Anderson complementa el álbum con un audiobook.
7. Counterparts
Después de que Presto se convirtiera en el quinto álbum consecutivo del grupo sin encontrar lugar en la lista del Billboard, llegó este disco en 1993, dos años después de que el punk se convirtiera en mainstream, como uno de los más potentes de toda su carrera.
6. A Farewell to Kings
El álbum, que siguió a 2112, mostró una evolución en el sonido del trío canadiense. Supuso el principio de su narrativa musical que continuaría en Hemispheres. Extensos temas como “Xanadu” o “Cygnus X-1” convivían con temas más cortos y líricos como “Madrigal” o “Closer to the heart”. Rush comenzaron a añadir sintetizadores.
5. Grace under Pressure
Ninguno de los temas de este álbum supera los seis minutos, pero ese ambiente de Guerra Fría que incide en el disco, junto a ambientes inquietantes de lluvia radiactiva y persecuciones lo emparejan con cualquiera de las epopeyas de ciencia ficción relatadas en discos
anteriores. El álbum fue producido por Peter Henderson, que había trabajado con Paul McCartney y Supertramp, y el sonido varió hacia influencias reggae y funk que habían comenzado en Signals.
4. 2112
Después que Fly by Night y Caress of Steel vendieran menos de lo que se esperaba, la compañía Mercury Records sugirió un cambio de rumbo y que su cuarto LP sonara mucho más comercial. El resultado no es un álbum pop, y menos comenzando con una suite de 20 minutos, pero se convirtió en un producto popular que consiguió alcanzr el disco de platino varias veces desde su publicación.
3. Power Windows
Cada uno de los temas es diferente entre sí, situándose en un lugar entre Yes y Sex Pistols. Si quieres escuchar una historia sobre la bomba atómica, un metafórico reportaje sobre el maratón, si lo tuyo es el malestar suburbano o simplemente te gusta la música con cierto regusto a pasado de moda, éste es tu disco.
2. Moving Pictures
“Tom Sawyer” y “Limelight” suenan constantemente en las emisoras de rock clásico de todo el mundo, mientras que “YYZ” logró para el trío la primera de sus siete nominaciones a los premios Grammy, en esta ocasión por el mejor tema instrumental. Este fue el disco que Mercury tenía en mente cuando pidió a la banda que publicasen algo más
comercial.
1. Hemispheres
Al igual que en 2112, el disco se abre con un tema épico que ocupa la primera cara del antiguo vinilo. La continuación de la historia de “Cygnus X-1” contenida en A Farewell to Kings concluye en este nuevo álbum, cuya segunda cara, después de un par de temas de corta duración, concluye con la suite “La Villa Strangiato”, que confirmó que la banda podía contar una historia sin la necesidad de las letras de Neil Peart.

FUENTE: ROLLING STONE

jueves, abril 03, 2014

MÁS DECLARACIONES DE CHRIS SQUIRE: "EL SELLO DE YES SE MANTIENE EN ESTE NUEVO ÁLBUM"



Ayer mismo, en Billboard, el bajista de Yes estuvo haciendo unas declaraciones acerca del nuevo álbum, el nuevo cantante y la actividad que mantendrán durante este año. Respecto a Heaven and Earth, que se publica el próximo 8 de julio, dijo lo siguiente: “Está bastante basado en canción en muchos aspectos, pero también tiene esa marca característica de Yes en cuanto a ampliar esas canciones para dar lugar a piezas musicales. Hay tres en la parte larga de los temas con un rango de duración de diez minutos. Así que, definitivamente, el sello de Yes en cuanto a los arreglos está en el álbum, no hay ninguna duda al respecto.”
Heaven and Hell, que el grupo grabó a principios de año, junto al productor Roy Thomas Baker, en Los Ángeles, es la continuación de We can Fly (2011) y el primero con Jon Davison (Sky Cries Mary, Glass Hammer), que se unió al grupo en 2012: “El modo en que trabaja Yes cuando entra un nuevo miembro, como es el caso de Jon Davison, es extraer su punto de vista con respecto al nuestro para ver qué diferencias hay y qué contribuciones puede aportar para seguir haciendo de Yes algo interesante. Jon ha hecho un trabajo excelente. Trabajó con los cuatro en un par de temas de cada uno y hemos llegado al final del álbum con muy buena y potente música.”
La mezcla del álbum la está haciendo en la actualidad Baker, quien ya trabajó con Yes en un fustrado álbum del grupo a finales de los setenta: “Fue muy interesante trabajar con Roy de nuevo. Es todo un personaje. Sabe definitivamente lo que está haciendo en el estudio. Ha ido muy bien trabajar con él, de verdad. Creo que probablemente todos hemos madurado, pero él sigue teniendo esa fuerza en el estudio y el resultado va a ser bueno, estoy seguro.”
Yes tienen una agenda apretada para este año. Acaban de terminar su gira por Canadá y se embarcan en su segundo Cruise to the Edge el próximo 7 de abril en Miami. La gira europea comenzará el 29 de abril en Inglaterra y, después, volverán a Norteamérica para comenzar el 8 de julio una gira en la que interpretarán completamente los álbumes Fragile y Close to the Edge, además de materíal de Heaven and Earth, según el mismo Squire promete: “Es todo lo que puedo contar a día de hoy. Honestamente, estoy mucho más interesado en tocar el nuevo material y ese ha sido siempre el verdadero método de trabajo de Yes. Siempre he pensado que hay que seguir haciendo cosas nuevas para que la vida siga siendo interesante, no sólo por nosotros, sino también por la audiencia. En verdad que siempre ha sido nuestro principio y nuestro modo de trabajo. Así que es probable que en el futuro habrá mucha más música nueva.”
Con respecto a su nominación para el Rock and Roll Hall of Fame de este año, en el que no fueron admitidos en la lista final, dice que nadie dentro del grupo se siente frustrado por ese hecho: “De alguna manera ya sabía como funcionaba. Muchos de los que estaban en esa corta lista junto a nosotros ya habían sido nominados con anterioridad y me imaginé que, a menos que no estés en Nirvana, no lo vas a conseguir en tu primer año de nominación. Eso es lo que hay. No estoy muy decepcionado. Seguro que otra vez será."

FUENTE: BILLBOARD

miércoles, abril 02, 2014

UNITED PROGRESSIVE FRATERNITY PUBLICAN ÁLBUM DEBUT



Antiguos miembros de Unitopia formaron una nueva banda llamada United Progressive Fraternity y sacaron un vídeo para formalizar su estado, “The Water” en el que colabora Jon Anderson.
El grupo formado por los ex Unitopia, Matt Williams, guitarra, Dave Hopgood, batería, Time Irrgang, percusión, y Mark ‘Truey’ Tureack, voz, unieron fuerzas a Guy Manning (Manning, The Tangent), guitarra, teclados y voz, Steven Gee (Landmarq), bajo, y Ian Ritchie (Roger Waters), vientos, para su primer álbum, del que presentaron como primicia el vídeo con la participación del ex cantante de Yes.
Además, el álbum, Fall in Love with the World, que saldrá en octubre de 2014, cuenta también con la colaboración de Steve Hackett y Steve Unrah al violín y la flauta.
Tras la salida del álbum, el grupo se embarcará en una gira por el Reino Unido y Europa durante este otoño, para lo que ya tienen asegurada su participación en el prestigioso Summers End Festival como invitados especiales.

PERVY PERKIN: INK



PERVY PERKIN: INK (2014, PERVY PERKIN)

Book of Equinox:
1. Opening Credits
2. Of Echoes and Reflections
3. New Dawn
4. The Tree in the Sky
5. Peanut Butterfly
6. The End of the Beginning
7. Falling from Earth
8. Morphosis
- Chapter I
- Chapter II

Book of Solstice:
1. Memories of the Water
2. Asleep in a Wormhole
3. Shades under a City Lamppost
4. Far Away Crusade Defending the Colonies of Satellite A.T.L.A.S.
5. 3:11 AM (The Crystal Clock)
6. S!urm
7. T.I.M.E. (Part III: The Sign on the Wall)
I. Dear Francesca
II. Disrupted
III. The Decision
IV. Of an Inner Kind/ Voices
V. The Time
VI. What Lurks in a Mind
VII. The Decision II
VIII. Coming... Home?
8. Epilogue

Carly Pajarón: batería, voz, percusión
Dante: guitarra, voz, bajo
Álvaro Luis: guitarra, bajo
Alejandro Macho: voz principal
Ugo Fellone: teclados, guitarra acústica

9’5/10

Dos años, y diversas azarosas historias en el seno de la banda, ha costado que los murcianos Pervy Perkin, asentados en Madrid, lancen su álbum debut. Y no estamos ante un debut al uso, no estamos ante un estreno en el que se palpen ideas ni se expongan criterios. Estamos ante un debut mastodóntico en todos los aspectos que nos podamos imaginar: música, arte, grafismo… Porque el grupo, tras un arduo trabajo interno como digo, arranca su carrera con un doble álbum lleno de rock progresivo en el sentido más amplio del término, puesto que además de la música, aderezada de esencias musicales de distintos géneros, el grupo sabe imprimir ese sentido teatral a la hora de que las composiciones actúen ante nuestros sentidos. Porque de eso se trata, de actuar, de impregnar con un sentido teatral unas composiciones, que por sí solas funcionarían a la perfección, con lo cual la calidad interpretativa se aumenta en un doble sentido. Y ahí es donde entran tanto los músicos, imaginativos y virtuosos a partes iguales, como su cantante, un camaleón del arte, y la inteligencia a la hora de componer y arreglar los temas. Pero no todo queda sólo, si te parece poco, en eso, puesto que además el grupo aporta un gran sentido del humor tanto en su interpretación como en la composición de los arreglos, caracterizando aún más, si cabe, el enorme potencial de este nuevo grupo progresivo.
El disco, del que voy a destacar ninguno de los temas, está lleno de auténticos himnos del rock progresivo, aderezado de múltiples elementos musicales, que van desde lo electrónico a lo hard progresivo, pasando por lo sinfónico o, incluso, lo folclórico, en el sentido menos peyorativo del término, estructurados en base a cuidadosos arreglos en los que la banda se esmera y proyecta a un oyente que en ningún momento puede relajarse ante los acontecimientos que se le vienen encima. Y así pasamos de momentos puramente melódicos a estructuras complejísimas en las que la banda actúa como una auténtica maquinaria efectiva y transmisora. Unos músicos que tocan con el corazón desde la técnica, puesto que el dominio que los artistas de Pervy Perkin atesoran en sus instrumentos los convierten en guías, casi espirituales, de una música hecha con ganas, imaginación y más sentimiento.
Excelentes recorridos instrumentales, intervenciones vocales épicas y sentidas, largos desarrollos estructurales y fluidez son el común denominador de este doble CD, dividido en dos partes, sin intención ninguna de conceptualizar, hecho con honradez y no menos esfuerzo. Un esfuerzo que demanda la atención de los seguidores del género porque sin bandas como esta, arriesgadas en el planteamiento y mucho más que efectivas en la ejecución, el rock progresivo perdería una de las filosofías con las que nació: disfrutar plenamente de la música. Pervy Perkin son los nuevos magos del progresivo no sólo hecho en España, sino en el mundo entero. Intensas bocanadas de puro sentimiento artístico al servicio de una música hecha para el alma. Muchísimo más que recomendados… obligados.